Archive for the ‘2000's’ Category

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Match Point (cuando Woody Allen decidió echarle algo de huevos)

mayo 28, 2010

“Match Point” sin duda es uno de los mejores films del muchas veces sobrevalorado Woody Allen y su logro más destacable de los 2000’s.  Nos encontramos ante un thriller sin tapujos, cruel y que no se anda por las ramas, muy alejado de agobios neuróticos, chascarrillos o la pedantería habitual en el cine del realizador neoyorkino. Una de las cosas que más sorprenden de la peli son los cojones con los que está hecha remitiéndonos directamente a otro de los mejores filmes de Allen: “Delitos y faltas”, de hecho el argumento está calcado pero esta vez lo adapta a la alta sociedad inglesa. En el film sigue una línea de narración clásica alejada de la recurrente experimentación del director y, sorprendentemente, el sexo se trata de un modo más explícito y primitivo de lo habitual (eso sí, nada del otro mundo, las escenas de mayor tensión sexual no dejan de ser inofensivas).

Por otra parte hay que destacar que es el primer film de Allen en el que aparece Scarlett Johansson (la última pava que le ha puesto el miembro bien duro al director). La colaboración entre ambos en su día fue muy destacada ante todo por Woody que se pasó largo tiempo babeando sobre ella ante los medios y la volvió a dar más papeles en siguientes películas suyas. Por otra parte la crítica también elogió de sobremanera el trabajo de la Johansson poniéndola casi de la nueva Lauren Bacall (qué más quisiese la Johansson qué llegar al nivel de talento, belleza y carisma de la Bacall). Vale que la chica esté buenilla pero de ahí a ponerla de diosa del séptimo arte me parece algo excesivo. La moza está resultona en la peli pero como actriz demuestra que no puede ir más allá de dos registros (cara de zorrón y cara de angustia), además de carecer del aura fascinante y diabólica de las vamps del cine clásico que muchos creyeron ver en ella. Pero dejando a un lado la sobrevalorada (hasta alcanzar cotas ridículas) aportación de la Johansson, en cuanto al resto de interpretaciones el film mantiene un muy buen nivel destacando sobre todo su prota, Jonathan Rhys Meyers, que mantiene el peso de la película con una estupenda interpretación llena de matices y una presencia y elegancia poco habitual en los actores de su generación.

Sin duda el último gran título de Woody Allen que bien podría haber dejado el cine después de realizarlo saliendo por la puerta grande con dignidad. Y es que momentos como ese clímax en el que nos introduce con esa escena onírico-revelatoria de atmósfera fantasmagórica (los que la hayan visto sabrán a lo que me refiero) que se da en el tramo final del film (probablemente de lo más acojonante jamás rodado por el director) nos recuerdan el genio que hay dentro de Woody Allen.

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16 Blocks

mayo 19, 2010

En 2006 el gran Richard Donner dio su último golpe (aunque ahora se rumorea que pretende volver con un nuevo film junto a Mel Gibson, su actor fetiche, a quien ya dirigiera en toda la saga de “Arma Letal”, en “Maverick” y “Conspiración”) con “16 Calles”, un film que recuperaba el tono de los thrillers setenteros y que de hecho era un remake no confeso de “Ruta suicida” de Clint Easwood. Richard Donner es un realizador que como muchos de su generación procedía de la televisión y que en 1976 tuvo su primer golpe de suerte en el mundo del cine con el clásico de terror “La profecía”, película que le convertiría en un mito al instante. Pero la cosa no quedó ahí pues un par de años después estrena la no menos emblemática “Superman”, uno de los mayores éxitos de su época y de la historia del cine. Esto hizo que en los 80’s pudiera hacer lo que le diese la gana, por lo que empezó la década con el personal film “Max’s bar” que evidentemente no correría la misma suerte que sus dos títulos anteriores. Tampoco lograría el éxito con su siguiente película, “Su juguete preferido”, comedia sin embargo protagonizada por dos buenos reclamos comerciales: Richard Pryor y Jackie Gleason. Sin embargo en 1985 regresaría con dos clásicos que relanzaron su carrera: por un lado y de modo más modesto, “Lady Halcón”, y por otro y de modo definitivo “Los Goonies”. Su siguiente film logró que el éxito no decayese: “Arma letal”, una de las buddie movies definitivas de la que se encargó de llevar a cabo toda una saga al completo y que fue su única experiencia en el cine policiaco antes de realizar “16 Calles”.

“16 Calles” parte de la base de que un policía debe trasladar a un delincuente hasta un jurado para declarar, el problema de este asunto (aparentemente sencillo) es que este individuo testificará en contra de ciertas personas que ejercen un determinado poder y que estarán dispuestas a llegar hasta donde sea para que este testigo no se vaya de la lengua. Bien, si cambiamos a Bruce Willis por Clint Easwood, un agobiante Mos Def por una calentorra Sondra Locke, las calles neoyorkinas post-11S por el desierto de la costa oeste norteamericana y 16 manzanas por un montón de kilómetros de carretera, la película con la que nos encontramos es, evidentemente, “Ruta suicida”, el pasable film de acción que Eastwood dirigió y protagonizó en 1977. Por suerte con “16 Calles” no nos encontramos con uno de esos remakes que nos destrozan el recuerdo del original sino que en este caso la cosa mejora muy gratamente. Donner lo que hace con su película es aprovechar el argumento (al que en su día no se sacó suficiente provecho) para realizar un film serio, elegante y de gran calidad.

En el marco de las interpretaciones tenemos a todo un Bruce Willis bordando uno de los mayores papelones de su carrera junto a un Mos Def bastante insoportable (genial la frase que le suelta Willis: “Creo que la vida es muy larga, y los tíos como tú la hacen más larga.”). Sin embargo para ensombrecer la irritación que causa Def ahí tenemos a ese pedazo de actor que es David Morse, el cual al igual que Willis se marca uno de los grandes papelones de su carrera y nos hace asistir a uno de los grandes duelos interpretativos de la pasada década, el que se da entre Willis y él en la película.

Richard Donner realizó el film tres años después de realizar “Timeline”, su regreso al cine desde los 90’s. Sin duda con “16 Calles” fue toda una sorpresa y demostró que Donner seguía vivo y con mucha guerra que dar todavía.

Como datos curiosos decir que se rodó un final alternativo de la película donde el personaje de Willis muere y que puede verse en su edición en DVD, y que el personaje de Mos Def se llama Edward Bunker, nombre al que responde el mítico criminal redimido al que interpretaría Dustin Hoffman en “Libertad condicional” y al que veríamos en “Reservoir Dogs” interpretando al Señor Azul.

En fin, un delicioso thriller para los amantes del cine en MAYÚSCULAS. Gran Willis, gran Morse y gran Donner. Se echan de menos más propuestas cinematográficas como ésta.

Más imágenes:


Bruce Willis y Richard Donner


Bruce Willis y David Morse (comiéndose a todo el reparto)


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Universal Soldier: Regeneration

febrero 10, 2010

El feo cartel que se ha marcado la distribuidora
Al margen de la calidad que pudiera tener la peli, esta última (por el momento) entrega de la saga “Soldado Universal” era un título muy esperado por mí ya que volvía a reunir a esas dos bestias pardas que son Jean-Claude Van Damme y Dolph Lundgren (dos de mis ídolos de siempre), los cuales habían iniciado la saga con ese excelente primer “Soldado Universal” que se convirtió en uno de los mejores y más emblemáticos títulos de sus carreras. “Universal Soldier: Regeneration” al final ha resultado ser en cierto modo una estafa, y no lo digo solo porque sea un mal film sino porque nos prometía algo que finalmente no nos da del todo: Van Damme y Lundgren.

Un par de ejemplos de la influencia del mundo de los videojuegos en los planos y la estética del film
La verdad es que vistas las buenas críticas que estaba recibiendo el film sí que me esperaba algo más potente de lo que al final la peli realmente es. El film se inicia de maravilla con la tranquilidad de los hijos del presidente ruso visitando un museo que en cuanto salen de ahí y están a punto de entrar en el coche que viene a recogerles son secuestrados de la forma más violenta posible en un arranque bastante potente y nada artificial. Por otra parte la ambientación de la central nuclear de Chernobyl para ser una película de videoclub está lograda y hay detalles de su forma de estar rodada, como esos planos deudores de videojuegos al estilo “Call of Duty”, que están bastante logrados y causan mejor efecto del que cabría esperar. También la cuidada atmósfera con tonos oscuros y grises tanto en el vestuario como en las localizaciones y su fotografía en la predominan filtros azulados en contraste con el blanco de la nieve casan muy bien con el tono gélido del film. Pero ante todo lo que sorprende es su modo de mostrar la violencia de forma seca, cruda y realista, a lo largo del metraje no nos encontramos una hostias o un tiro que no sea contundente. Aunque lo que de verdad adquiere importancia en el film es poder volver a ver juntos a Van Damme y Lundgren, cosa que al final conseguimos ver (y de forma gloriosa), pero por desgracia muy poco.
En la peli Van Damme prácticamente es un personaje secundario y Lundgren poco más que un cameo (pero qué pedazo de cameo!), y eso es algo que lo mires por donde lo mires hace perder, y mucho, a la cinta. Hasta que ellos no entran en acción la película a pesar de tener sus virtudes (las cuales he citado antes) no funciona. Van Damme al principio se nos muestra en pequeñas escenas donde podemos comprobar que a pesar de seguir adelante con su vida se encuentra en un estado de depresión y confusión debido a su condición no humana de soldado resurrecto y robótico, enfoque muy interesante que se da al personaje pero vamos a ver, señores, que estamos ante una entrega de “Soldado Universal”! Van Damme (que emplea en su interpretación el registro dramático que ha ido mostrándonos en sus últimos títulos) antes de volver a ser empleado como soldado tiene un buen momento (entre tantos momentos que va teniendo que parecen de relleno en el film) en el que su confusión en cuanto a su condición le hace atacar salvajemente a un tipo que se le está acercando en un bar y frente al que se siente amenazado. Finalmente el personaje de Van Damme es forzado para acabar con el conflicto que se está dando en la central de Chernobyl (movida que te explican a lo largo de la peli en escenas coñazos que se entrelazan con las que aparecen Van Damme y Lundgren). A pesar de que en un principio se le intentase dar una dimensión psicológica más trascendente al final termina siendo utilizado en el film como un perro de presa y no se le vuelve a dar importancia a su situación vital.
En cuanto a lo que le toca a Lundgren no se puede decir otra cosa más que sin duda es de lejos lo mejor de la peli, lo único que se le puede achacar es que salga tan poco y que para que aparezca haya que esperar casi una hora de película. Lundgren realiza una interpretación excelente a la par de delirante volviendo a retomar a uno de los mejores personajes de su carrera solo que esta vez lo hace a través de un clon del mismo. La sorpresa nos la encontramos en que esta vez el personaje ya no es simplemente una máquina de matar con ansias de destruir todo lo que le rodea sino que ahora adquiere una dimensión filosófica mucho más compleja replanteándose su condición de perro de presa (lo que no quiere decir (como anunciaron muchos) que su personaje se vuelva bueno (de hecho ni el personaje de Van Damme está seguro de hacer el bien en la película)) además de dudar sobre su existencia (puro Sartre!) y su función en el mundo. La aparición del actor sueco nos remite a ese refrán de: “lo bueno si es breve, dos veces bueno”, y es que su aparición podría equipararse (a su modo) a la de Brando en “Apocalipsis Now”. El primer momento en que mata a hostias a una persona es digno de aplauso y viene seguido por un momentazo superior (digno del “Frankenstein” de Mary Shelley) en el que su personaje después de observar su reflejo en un cristal roto y salpicado de sangre pregunta al científico que le ha devuelto al mundo la misma pregunta que se realiza a los soldados universales para asegurarse de que son simples máquinas que ejecutarán lo que se les ordene: “¿Usted se fija en la complejidad de la vida?”; el científico se niega a contestar a la máquina ya que ésta debe limitarse a acatar órdenes, pero la máquina se niega a obedecer y quiere obtener una respuesta, el científico sigue negándose a responder pero la máquina que es físicamente superior le obligará a responder aunque para ello haya de hacer uso de la violencia, cosa que le llevará finalmente debido a la negativa de respuesta por parte del científico a matarle haciéndole un piquete en los ojos con sus enormes pulgares!!!

Dolph Lundgren mirando su reflejo y replanteándose su existencia (uno de los pequeños destellos de genialidad que se dan en el film)

Comentada ya la relevancia de sus personajes dentro del film pasemos ya ha comentar el acontecimiento más importante de la película y que probablemente sea su única razón de ser y que no es otro que la esperadísima pelea casi 18 después de la primera película entre el personaje de Van Damme y el de Lundgren (acontecimiento tan grande que solo por ello merece la pena que la peli sea vista).
Van Damme camina por el edificio de la central después de haber tenido que cargarse a unos cuantos soldados hasta llegar a una cámara en la cual se encuentra a Lundgren en pose estática frente a los hijos del presidente mientras una llamas arden detrás de él. Van Damme se detiene a su espalda y Lundgren si darse la vuelta suelta un monólogo que antecederá a la acción que todos esperábamos:
“Sigo haciendo preguntas… intentando obtener algo, una respuesta… Nada… Es tan simple como sí o no… Es ridículo… Sabía que algo vendría. Está ahí. Tome mi tiempo… Mierda… ¿Debería recordarlo? Estuve ahí… suena tan familiar. No se puede explicar, sabes que así es el programa, lo entiendes, es así ¿no? ¿Ya ha pasado esto antes?… Salgamos de aquí.”
Una vez dicho esto último Van Damme se abalanza contra Lundgren y empieza lo que estábamos esperando. Esta escena de hostias entre los dos se convierte, aparte de en el mejor momento del film (superando cualquier expectativa), en todo un clásico. La escena cuenta con una compleja coreografía de combate que moverá a los personajes a través de distintas zonas del edificio hasta salir suspendidos al exterior desde lo alto de una ventana (no diré como concluye para no chafar a nadie). En la pelea comprobamos que pese a la edad (y los vicios) los dos actores sigue en suficiente buena forma como para llevar a cabo (sin apenas ayuda de dobles) la que probablemente sea la mejor pelea que nos ha dado el cine de los últimos años. Y es que a la escena no le falta de nada: el contraste de la habilidad marcial de Van Damme con la bestialidad y fuerza bruta de Lundgren no es un impedimento para que se cree química en el combate y que la cosa esté nivelada; además vemos podemos disfrutar viendo como destrozan mobiliario, se empotran el uno al otro en cualquier lugar que encuentran, hacen saltar trozos de azulejo, Lundgren arranca el borde de una pared de una patada, se caen por el hueco de las escaleras, salen suspendidos contra el suelo desde lo alto de una ventana, y lo mejor de todo: atraviesan un par de paredes (vaya par de bestias!!!!).

Fragmentos de la pelea entre Van Damme y Lundgren (un clásico instantáneo)

Sin duda esta pelea es de lejos lo mejor de una película que sin las apariciones de Van Damme y Lundgren se queda en nada. Además es todo un logro y muy de agradecer la crudeza con la que está realizada, al igual que la carencia en ella del empleo de infografía, música y otro tipo de efectos que la restarían credibilidad.
Por otra parte está el tema de Andrei “The Pittbull” Arlovski, luchador profesional bielorruso de la MMA (Mixed Martial Arts), que en la peli hace del nuevo soldado universal malísimo e indestructible y que injustamente tiene muchos más planos que Van Damme y Lundgren (de hecho de entre los protagonistas ellos dos puede que sean los que menos planos tienen). He de decir que la violencia que ejerce su personaje (verle pegar hostias es pura poesía de la brutalidad física) y su aura de amenaza indestructible están bien pero Arlovski lo único que sabe hacer es hostiar (al fin y al cabo lo que se le exige) pero de carisma y talento frente a la cámara: cero.
El encargado de dirigir el film es John Hyams, hijo del director Peter Hyams, el cual dirigió a Van Damme en “Timecop” y “Muerte Súbita” y que además se encarga de producir el film dirigido por su hijo.
Muchos han comentado que se trata de la mejor de la saga, pero ni caso, sino fuese por los geniales momentos de Lundgren y la pelea entre él y Van Damme no habría prácticamente nada salvable en la película.  Una mala peli con momentos de puro genio: solo por ese comeback para darse de hostias este film debe pasar a la historia.
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“Keep on loving you”

febrero 4, 2010

Hace poco me inflaba de valor para ver la segunda parte de “Crank” estando advertido de antemano de que era francamente mala. Pese a todo aún quise darle un voto de confianza puesto a que la primera parte me había entretenido.
“Crank: Alto voltaje” en cambio es una de las mayores aberraciones y delirios que he visto en mucho tiempo (entiendo que la peli esté concebida así a propósito pero eso no la dignifica). En esta segunda parte se pretende llevar lo que vimos en “Crank” aún más al límite si cabe con un resultado penoso en un film que parece haber sido realizado por un engachado a la coca con muy poco sentido del gusto a la hora de utilizar una cámara. De esta segunda parte la verdad es que solo destacaría tres cosas y son las siguientes: la presencia de nuevo de la morbosa Amy Smart que aparece más ligera de ropa que en la primera, la delirante escena de sexo público que emula y supera con creces a la escena de misma índole de la primera parte y que en esta peli es mucho más divertida, explícita y pasada de rosca, y, por último, la presencia en su banda sonora del temazo “Keep on loving you” de REO Speedwagon que ayuda a superar el bochorno de lo que vemos en pantalla y con el que a continuación os dejo.
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“Cyrus” y “War, Inc.” (lo último de Marisa Tomei)

enero 27, 2010

Viendo imágenes de la alfombra roja del Festival de Sundance (que se inició el pasado 21 de Enero y donde, debido al clima, ha primado la ropa de abrigo) como a menudo me suele pasar mi atención se ha desviado hacia mi querida Marisa Tomei que a sus cuarenta y tantos sigue luce más guapa y estupenda que nunca (como podéis comprobar en la fotografía de arriba).
Por supuesto (más teniendo en cuenta su maravillosa última interpretación en “El Luchador”) me entró la curiosidad por saber en qué película presentada a concurso aparecía. La película en cuestión se titula “Cyrus” y parece ser la típica comedia sosa estadounidense supuestamente inteligente y dirigida a un público adulto que la Tomei protagoniza junto a John C. Reilly, Catherine Keener y Jonah Hill (el gordito de “Supersalidos”), y por la que mi interés es plenamente nulo (si la veo será por la Tomei, claro).

Marisa Tomei entre dos salidos (Jonah Hill y John C. Reilly)
Rebuscando en su filmografía me he encontrado también con una película que pasó sin pena ni gloria por los cines de USA en 2008 y que a España nos llegó directamente en DVD el pasado 2009, y de la cual no había oído hablar. El título de la película es “War, Inc.” (aquí retitulada como “Negocios de guerra”) y me llama bastante más la atención que “Cyrus” aunque solo sea por su curioso reparto en el que nos encontramos a los decadentes hermanos John y Joan Cusack, Ben Kingsley y al gran Dan Aykroyd. Además (como aliciente de puro morbo) también tenemos por ahí a la ídolo adolescente pre-Miley Cyrus: Hilary Duff (la actriz que hacía de Lizzie McGuire, aquella ya olvidada estrella televisiva de la Disney de principios de la pasada década) en un papel autoparódico de estrella pop y por supuesto a la Tomei, cómo no. La película tiene pinta de ser una de esas sátiras políticas de la América liberal y progre (de esas que siempre queda bien comentar en sociedad) con el típico buen rollito habitual, es decir: UN ASCO. Sin embargo para disimular (¿?) el evidente panfleto su argumento está concebido en clave de delirio futurista (aunque no por ello parece más interesante).

Hilary Duff en la película

En fin, que la Tomei de momento no parece que nos vaya a deleitar con otro clásico como en “El Luchador” pero con que siga estando igual de buena a algunos nos basta.
Abajo os dejo los trailer de las pelis que comento para quien le interese.
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Stone Cold Steve Austin fractura el cuello de Sly

enero 8, 2010

Al parecer las últimas noticias que nos llegan de nuestro querido Stallone no son del todo agradables. Según lo que el propio Sly ha reconocido en una entrevista realizada para la revista FHM sufrió una fractura en el cuello al rodar una pelea para “The Expendables” contra la mítica estrella de la WWE, Stone Cold Steve Austin, por lo que en estos momentos lleva una placa en la zona dañada. Según palabras de Sly su pelea con Steve Austin “fue tan fiera” que acabó con la citada fractura. En la entrevista también realiza el siguiente comentario sobre las escenas de lucha que a sus más fervientes admiradores nos deja con los dientes largos: “Tío, había siete tipos, pegándose los unos a los otros, cada uno más fuerte que el siguiente. Sin bromas, nuestros dobles estaban clamando misericordia”

Para más información pinchar AQUÍ.

Imagen de Stone Cold Steve Austin y Eric Roberts en la película
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El cine del 2009

enero 4, 2010
Como ocurre en la mayoría de blogs, y por falta de originalidad por mi parte, aquí os traigo una lista con las pelis (de todas las que he visto) que más me han gustado de 2009 (tampoco ha sido difícil decirme ante la falta de calidad de la mayoría de títulos que fueron estrenados).
“Truco o trato”

Una grata sorpresa del año 2008 que finalmente fue estrenada en España directa al DVD este año. La película recupera el espíritu de películas de terror episódicas estilo “Creepshow” pero para nada es uno de esos homenajes desfasados que se suelen hacer últimamente. “Truco o trato” cuenta con espíritu, magia y personalidad sin necesidad de abusar de referencias a un cine pretérito. Gran debut tras la cámara de Michael Dougherty (guionista de “X Men 2” y “Superman returns”, películas, ambas, de Bryan Singer el cual se encarga de producir la peli) que si alguno no llegó a descubrir recomiendo que se desquite ya! Ideal para la noche de Halloween, of course.
“Bruno”

Sin duda la comedia del año: burra, brutal e irreverente. Sacha Baron Cohen vuelve a la carga con los cojones de un toro mofándose de la sociedad de una forma mil veces más convincente de lo que hace el gilipollas de Michael Moore simplemente haciendo de un gay austriaco con la ambición de triunfar en Hollywood.
“Gran Torino”

La peli es de finales del 2008 pero en España se estrenó a principios del 2009 que fue cuando yo la vi, por tanto es de rigor colocar un peliculón de estas características dentro de la lista. Eastwood se despide del mundo de la interpretación con el tipo de personaje que le popularizó pero ya en el crepúsculo de su vida y con una película preciosa dotada de una enorme fuerza y humanidad. En “Gran Torino” asistimos al mejor entierro que Eastwood podría brindar a su imagen frente a la pantalla. Magnífica.
“El Luchador”

Al igual que “Gran Torino” y “Truco y trato”, “El luchador” es de 2008, pero también fue uno de los estrenos que llegaron a España en 2009 y para mí es sin duda la película del año. “El Luchador” es una obra maestra con una magistral interpretación (convertida ya en un clásico) de mi adorado Mickey Rourke! La historia cuenta con una serie de detalles que de antemano ya me habían ganado: wrestling, heavy ochentero (de Accept a Guns ‘N’ Roses), losers, canción original para la película de Bruce Springsteen y por supuesto el protagonismo de Rourke, pero además de Rourke también nos topamos con la maravillosa presencia de Marisa Tomei que aparte de estar maravillosa en su interpretación sale guapísima y hasta nos enseña las tetas! No se qué más le podría pedir a una película, ah sí, tal vez un director que no fuese Aronofski